Martes

Pré-Lisboa

Somos um, somos vários, somos uma prolixidade de si mesmos
Fernando Pessoa

Madrid

Pongamos que hablo de Madrid

Allá donde se cruzan los caminos,
donde el mar no se puede concebir,
donde regresa siempre el fugitivo,
pongamos que hablo de Madrid.

Donde el deseo viaja en ascensores
un agujero queda para mí
que me dejo la vida en sus rincones,
pongamos que hablo de Madrid.

Las niñas ya no quieren ser princesas
y a los niños les da por perseguir
el mar dentro de un vaso de ginebra,
pongamos que hablo de Madrid.

Los pájaros visitan al psiquiatra,
las estrellas se olvidan de salir,
la muerte pasa en ambulancias blancas,
pongamos que hablo de Madrid.

El sol es una estufa de butano,
la vida un metro a punto de partir,
hay una jeringuilla en el lavabo,
pongamos que hablo de Madrid.

Cuando la muerte venga a visitarme
no me despiertes, déjame dormir,
aquí he vivido, aquí quiero quedarme,
pongamos que hablo de Madrid.

Joaquín Sabina

Madrid. Los Lunes

Pero no mucho I

http://www.lacasaencendida.com

Pero no mucho II

La mujer del anarquista

Director: Peter Sehr, Marie Noelle
Intérpretes: Juan Diego Botto, María Valverde, Ivana Baquero, Nina Hoss, Jean-Marc Barr, Pere Arquillué, Biel Durán, Irene Montalà, Adrià Collado, Laura Morante, Irene Visedo
País: Alemania, España, Francia
Año: 2008.
Fecha de estreno: 23-01-2009
Duración: 112 min.
Género: Drama

Ainda incompatíveis

22.01 La Castafiore

Cáscaras - Bilbao

Marte cansado de guerra na estação Velázquez

Not Too Much

Then She Found Me

Adapted from Elinor Lipman’s novel of the same name, Helen Hunt makes her feature directing debut with THEN SHE FOUND ME, a touching story of schoolteacher April Epner (Hunt) and her very unlikely path towards personal fulfillment. Following the separation from her husband (Matthew Broderick) and the death of her adopted mother, April is contacted by her apparent birth mother (Bette Midler), who turns out to be a local talk show host Bernice Graves. As Bernice tries to become the mother to April that she was never able to be, April seems to find solace in the arms of the parent of one of her students (Colin Firth), only to find that the mystery to life’s questions cannot be solved by a simple revelation.

Then She Found Me (2007)

17.01 La escuela Yi

http://www.abpress.net/

CaixaForum Barcelona
Del 04/06/2008 al 21/09/2008

Por primera vez, una visión exhaustiva de conjunto del arte abstracto chino contemporáneo, que hasta ahora ha permanecido en la penumbra, podrá verse fuera de China. La muestra traerá unas ochenta obras en distintos soportes –pintura, escultura e instalación– creadas por más de 40 artistas de diferentes épocas durante las tres últimas décadas.
El objetivo de la muestra es dejar constancia de cómo han respondido los artistas chinos al cambio social y cultural, dando paso a una especie de “arte abstracto” o “modernidad” de raíz alternativa y china, que combina la filosofía y la estética tradicionales de este país, el budismo zen, la modernidad occidental y el arte conceptual contemporáneo.
Por todo ello, la muestra se enfoca partiendo de los temas siguientes: la definición y la interpretación del “arte abstracto” chino no puede basarse en las dicotomías entre objetividad y subjetividad, entre obra de arte y artista, entre forma y significado, sino que el “arte abstracto” chino es la expresión de un estado concreto de apertura y una metáfora de la realidad vivida. A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, las autoridades consideraban la forma abstracta en sí misma como una producción burguesa. Por otro lado, el arte abstracto chino tuvo un papel político durante aquella época. En la segunda mitad de la década de 1980, gracias a la influencia de la modernidad y la posmodernidad occidental, muchos artistas de vanguardia del Movimiento 85 se comprometieron a crear una especie de arte metafísico oriental, combinando los símbolos culturales tradicionales y el surrealismo occidental. Desde 1990, este arte abstracto chino ha reflejado profundamente la realidad de la globalización y la urbanización, no se ha limitado a producir composiciones abstractas simplemente metafísicas, sino que ha significado una actividad de meditación inspirada en el zen, un flujo diario continuo de “arte de acción” que ha implicado a la realidad urbana. El aspecto “moderno” de estas obras es sólo una máscara, y el fenómeno “abstracto” en el arte contemporáneo chino es un desplazamiento de la modernidad, en un contexto que rezuma contemporaneidad y en el que la naturaleza estética y la forma social son indivisibles e intercambiables.

Los artistas: Zhao Wenliang, Zhu Jinshi, Wang Luyan, Gu Wenda, Yu Youhan, Ren Jian, Zhang Jianjun, Yang Zhilin, Huang Yali, Shang Yang, Li Huasheng, Zhang Yu, Wang Tiande, Liang Quan, Zhou Yangming, Ding Yi, Meng Luding, Zhu Xiaohe, Lei Hong, Tan Ping ... entre otros.

http://obrasocial.lacaixa.es/

16.01 Entre les murs

Entre les murs dans la short list pour l'OSCAR
entre les murs fait partie des 9 semi-finalistes dans la course à l'Oscar du Meilleur Film Etranger, aux côtés de :
Revanche (de Gotz Spielmann), Autriche;
Ce qu'il faut pour vivre (Benoit Pilon), Canada;
La bande à Baader (Uli Edel), Allemagne;
Valse avec Bashir (Ari Folman), Israël;
Departures (Yojiro Takita), Japon;
Tear This Heart Out (Roberto Sneider), Mexique;
Everlasting Moments (Jan Troell), Suède;
Les 3 Singes (Nuri Bilge Ceylan), Turquie.
http://www.entrelesmurs-lefilm.fr/site/

16/01/09 | por Javier Montilla | http://www.ellibrepensador.com/

Políticamente incorrecto. Así es François Bégaudeau, un escritor francés que presenta su novela Entre Les Murs (La Clase, en la versión española), que fue llevada al cine y se convirtió en la gran sorpresa del último Festival de Cannes consiguiendo la Palma de Oro. La novela relata los esfuerzos de un profesor que afronta con brío el nuevo curso en un instituto de la banlieau de París. Hoy se estrena la adaptación cinematográfica en España y nos recibe para explicarnos los entresijos de su obra.

Su novela quería hacer una reflexión sobre la sociedad francesa contemporánea, que es compleja, polifacética, múltiple. ¿Usted cree en esa Francia mestiza y cosmopolita?

No me planteo si he querido hacer esa reflexión y dudo mucho que al leer un libro se tenga que exigir ese tipo de cosas. Desde mi punto de vista, no se trata de creer en una Francia cosmopolita; se trata de constatar que ya es cosmopolita, y que irá aumentando paulatinamente, del mismo modo que ocurrirá en España, así como en el resto de los países europeos. Algunos lo deploran, otros se alegran. En mi caso, lo hago constar y, por eso, lo he querido introducir dentro de un libro.

¿Qué fue lo que le llevó a Laurent Cantet a llevar al cine su novela?

Él quería hacer una película sobre el mundo de la escuela y mi novela le proporcionaba la materia que él estaba buscando.

La novela muestra las dificultades del colegio en la Francia de hoy, pero también los esfuerzos, las esperanzas y los logros de los profesores cuyo compromiso al servicio de los alumnos forma la trama de la película. Usted quería, me imagino, dar voz a los profesores que luchan cada día por la integración en las escuelas.

La novela explica las dificultades de la escuela en la Francia de hoy en día, pero también la cultura del esfuerzo, las esperanzas y los éxitos de los profesores cuyo compromiso al servicio de los alumnos forma la trama de la novela.

¿Y quería, tal vez, dar voz a los profesores que luchan cada día por la integración en las escuelas?

Yo creo que no. No se hace un libro para dar voz. Por lo menos en mi caso. Se hace un libro que sea bueno. Y lo que quería y tenía mucha ganas, sobretodo, era introducir un poco de voz contemporánea en la literatura.

Una opinión compartida por el profesorado, en España y en Francia, tras su novela y la película es que esperan que la experiencia vivida por los chavales que protagonizan Entre les murs ayude a erradicar la visión negativa que a veces se tiene de los institutos de este tipo, porque no todos son especialmente conflictivos. ¿Lo comparte?

Se podría pensar en ello, pero después de seis meses de su estreno en Francia, y ahora, por fin, llega a España, creo que es imposible. Mucha gente que tiene prejuicios negativos sobre los jóvenes de los barrios populares encuentra en la película una confirmación de sus prejuicios. Este no era el espíritu de la película, pero no podemos impedir al espectador pensar de esta manera.

En mi opinión, la novela de un modo muy sencillo nos demuestra que en Europa hay profesores que intentan cada día explicar de nuevo a Esmeralda, Souleyman y Khoumba lo que significan palabras como intuición, pero que también hay alumnos que leen la República de Platón por su cuenta e, incluso, otros que al final de un año escolar comprueban que no han aprendido absolutamente nada.

Esmeralda es de origen tunecino. Por eso, no comparto su reflexión sobre el hecho de englobar a toda Europa. Encuentro que ya es muy difícil hablar de una familia, de un barrio, de un colegio, así que no me puedo plantear la globalidad europea. Lo que intento mostrar (y no demostrar) es que existen tantas situaciones como alumnos existen. Y ese es el fin de toda película naturalista: disolver las grandes generalidades.

Para finalizar me gustaría preguntarle si los valores de la República se tambalean en la sociedad de hoy.

Pues siento decirle que no puedo contestar a su pregunta. Le dejo esto a los articulistas o a los filósofos de televisión. Y si esos valores, a los que usted también se refiere, tienen un sentido, que se vacile al respecto. Porque los derechos y las libertades jamás se han respetado en países que han sido nuestras colonias, donde las mujeres y los pobres prácticamente no pueden votar. Y ahí pienso que sí se tiene que inventar una nueva democracia.

A queijadinha da periquita

Presentinho português de Tetê

Milk

Mi nombre es Harvey Milk



Título V.O.: Milk
Año de producción: 2008
Distribuidora: Universal Pictures Spain
Género: Biográfica
Clasificación: Pendiente por calificar
Estreno: 9 de enero de 2009
Director: Gus Van Sant
Guión: Dustin Lance Black
Música: Danny Elfman
Fotografía: Harris Savides
Intérpretes: Sean Penn (Harvey Milk), Diego Luna (Jack Lira), Josh Brolin (Dan White), Victor Garber (alcalde Moscone), Emile Hirsch (Cleve Jones), Alison Pill (Anne Kronenberg), James Franco (Scott Smith)

20minutos.es

Se essa rua fosse minha ...

Nieve

08.01 Flame and Citron

"Flame y Citron" recrea la resistencia danesa ante el invasor nazi. "La historia oficial del papel de Dinamarca siempre ha sido la de los buenos daneses y los malos alemanes, pero yo siempre la he puesto en entredicho, y más después que mi padre, que fue coronel del ejército, me asegurase que los daneses se habían comportado como traidores", dijo el director Ole Crhistien Madsen en el Festival de Cine de Valladolid, donde fue presentada la cinta. Es la película más cara de Dinamarca. La película describe la historia real de Bent (alias Flame), un joven de 23 años que ha vivido siempre atraído por las armas y que se erige como brazo ejecutor del movimiento de resistencia Holger Danske (el director lo calificó como "un asesino despiadado que llegó a matar entre 17 y 32 personas, un tanto neurótico"), y de Jorgen, Citron, un hombre de 33 años que se adhiere a la resistencia casi por azar y que termina convirtiéndose en una pieza clave del grupo. Las traiciones, la corrupción y las dudas morales asaltan a los dos protagonistas, que se ven envueltos en una trama de espionaje rodada siguiendo las claves del cine negro. Esta película se ha inspirado en hechos reales y testimonios de testigos que trataron de cerca a los protagonistas.


Christian Berkel Hoffmann
·Mads Mikkelsen Citron
Citron
Copenhague, 1944. Mientras la población danesa desea que la guerra acabe cuanto antes, Jørgen Haagen Schmith, de 33 años y cuyo nombre de guerra es Citron (al parecer, en parte, porque había trabajado como mecánico en la fábrica de Citroën), pone su vida en riesgo para luchar en el grupo de resistencia Holger Danske que combate clandestinamente contra los nazis y sus colaboradores daneses. Citron, un hombre sensible que adora a su mujer y a su hija, al principio se había limitado a actuar como conductor de Flame, pero ahora se ve cada vez más involucrado en las actividades del grupo.

·Christian Berkel Hoffmann
·Mads Mikkelsen Citron
Citron
Copenhague, 1944. Mientras la población danesa desea que la guerra acabe cuanto antes, Jørgen Haagen Schmith, de 33 años y cuyo nombre de guerra es Citron (al parecer, en parte, porque había trabajado como mecánico en la fábrica de Citroën), pone su vida en riesgo para luchar en el grupo de resistencia Holger Danske que combate clandestinamente contra los nazis y sus colaboradores daneses. Citron, un hombre sensible que adora a su mujer y a su hija, al principio se había limitado a actuar como conductor de Flame, pero ahora se ve cada vez más involucrado en las actividades del grupo.

http://www.hoycinema.com/Flame-Citron-2008.htm

TITULO ORIGINAL Flammen & Citronen
AÑO 2008
DURACIÓN 130 min.
PAÍS [Dinamarca]
DIRECTOR Ole Christian Madsen
GUIÓN Ole Christian Madsen, Lars K. Andersen
MÚSICA Karsten Fundal
FOTOGRAFÍA Jørgen Johansson
REPARTO Mads Mikkelsen, Christian Berkel, Rasmus Bjerg, David Bjergsø, Rasmus Botoft, Jesper Christensen, Flemming Enevold, Martin Greis, Martin Hall

http://www.filmaffinity.com/es/film851669.html

07. 01 La Bella y la Bestia

Anti-gripal: um simpático e bem realizado musical da Broadway

05.01 Rever Madrid

www.adn.es

Emil Node

Emil Nolde est LE grand peintre allemand du XXe siècle, méconnu en France. Pour combler cette lacune, le Grand Palais lui consacre une première rétrospective : 90 toiles et 70 aquarelles, gravures et dessins à découvrir. Avec ses corps jaunes, ses cheveux verts, ses cieux rouges largement étalés sur la toile, Nolde est un "maître de la couleur" explique Sylvain Amic, commissaire de cette exposition. Il sera d'ailleurs invité en 1906 à rejoindre le groupe expressionniste Die Brücke, réunissant Kirchner ou Pechstein, qui souhaite accueillir ses "tempêtes de couleurs".

Mais Nolde est un peintre solitaire et indépendant. Il quittera le groupe un an après mais restera considéré comme le chef de file des expressionnistes et leur représentant majeur. Ce fils de paysans profondément attaché à sa terre du Schleswig-Holstein, à la frontière danoise, a "voulu faire naître une peinture allemande, une peinture qui incarne le génie propre à une nation", dans la lignée du romantisme et loin des "sucreries", disait-il, de l'impressionnisme. Même si parfois son oeuvre fait profondément penser à Van Gogh.

De là son adhésion au parti nazi en 1934 ? Il "adhère en fait à une association de fermiers de sa région, d'inspiration nazie, qui sera rattachée ensuite au parti nazi", explique M. Amic. Mais cela ne lui épargnera pas d'être publiquement diffamé et de figurer en 1937, avec 48 de ses oeuvres parmi les principaux exposants de l'art dit dégénéré. Refusant toutefois de se soumettre, le vieil homme se voit alors interdit en 1941 de peindre et d'acheter des fournitures en 1941. Surveillé par la Gestapo, âgé de 70 ans, il peindra tout de même, en cachette, des aquarelles. Un millier de ses toiles ont été confisquées, certaines brûlées, d'autres vendues aux enchères. Après guerre, Nolde jouira d'une reconnaissance mondiale et mourra en 1956 à l'âge de 89 ans.

L'exposition du Grand Palais propose un parcours à la fois chronologique et thématique - la mer, les tableaux religieux, l'attrait pour l'art primitif, etc. - dans une scénographique claire de salles et de cabinets séparés. Sa première grande peinture, "Les géants de la montagne", contient déjà les germes de son art : un "intérêt pour le monde fantastique des trolls et des êtres mi-humains, mi-merveilleux, la monumentalité de la figure, la couleur, la frontalité", dit M. Amic. Son chef-d'oeuvre, le triptyque de "La vie du Christ", rassemble plusieurs panneaux contant la naissance, l'adoration des mages, le baiser de Judas, etc., avec en son centre La Crucifixion. Le corps du Christ est jaune, comme il le fut dans une toile de Gauguin, qu'il admire. Les rois mages ont l'air de paysans russes. "Il saisit ce que la religion a d'universel", dit le commissaire. Nolde sait aussi se faire grinçant, en caricaturant les spectateurs des cabarets de Berlin, s'adoucit en peignant les "sauvages", tout de noblesse, de Nouvelle-Guinée. Ses "Tournesols" tiennent du Van Gogh mais sa palette se fait d'huile pour évoquer les paysages de son nord natal. Dans ses marines, splendides vagues quasi monochromes, il "arrive aux portes de l'abstraction mais choisit de ne pas aller au delà".

Après Paris, l'exposition sera accueillie au musée Fabre de Montpellier, de février à mai 2009.

Ariane Schwab

http://www.europe1.fr/

Rikyel e le rouge

Ce jeudi s'ouvre une rétrospective sur la célèbre créatrice à la chevelure rousse, tandis que la maison Rykiel fête ses 40 ans. L'expo accueillera les passionné(e)s de mode jusqu'au 19 avril 2009.

Pulls rayés et inscriptions en strass nous l'ont fait connaître, mais Sonia Rykiel, créatrice à la célèbre chevelure rousse et à la silhouette noire n'est pas seulement la "reine de la maille": une exposition aux Arts Décoratifs s'attache à démontrer qu'elle a inauguré la mode contemporaine.
C'est elle qui, la première, "destructure le vêtement, enlève les doublures, les épaules, tout ce qui construit la garde-robe des années 50", souligne Olivier Saillard, commissaire de "Sonia Rykiel, exhibition", une rétrospective organisée jusqu'au 19 avril 2009 à l'occasion des 40 ans de la maison Rykiel, née en plein Mai 68.
Sonia Rykiel est "un peu la pionnière des mouvements qu'on a appelés conceptuels", déclare-t-il. L'absence d'ourlet, les coutures à l'envers, "c'est un geste conceptuel qui n'existait pas dans la mode des années 70", souligne-t-il.

Reuters

Les modèles créés par les plus grands noms de la mode en hommage à Sonia Rykiel, présentés en octobre lors du défilé Rykiel printemps-été 2009, sont exposés dans la dernière salle, comme un bouquet final. Dont ce manteau (photo), signé Martin Margiela.

Organisée de manière thématique dans un espace agencé comme un appartement haussmannien, l'exposition, ouverte au public à partir de jeudi, rassemble 220 silhouettes de 1968 à nos jours. Des vidéos de défilés, un film de la militante féministe Antoinette Fouque sur Sonia Rykiel, des couvertures de magazines, des fac-similés des carnets de dessin de la créatrice, de somptueuses photos en noir et blanc signées Dominique Issermann permettent aux visiteurs de mieux appréhender son travail et son univers.
Tout ayant commencé par un petit pull moulant les seins qui connut un succès foudroyant, "Sonia Rykiel, exhibition" en présente de nombreux exemplaires des années 60, et d'autres plus récents.

Dominique Issermann

Tailleur et Chapeau, 1980.

Parmi les autres "best-sellers" de l'allure Rykiel, on retrouvera les joggings en éponge, les "joggings du soir" à inscription en paillettes, les pulls à messages strassés ("elle aime", "écrire", "mentir", "le sexe"...) de cette créatrice amoureuse des mots, elle-même auteur de plusieurs livres.
"Nous tous qui avons des vêtements mous, c'est grâce ou à cause de Sonia Rykiel", affirme M. Saillard. Elle est aussi la première à avoir "mélangé les heures", avec des tenues à porter le jour comme le soir, et la première à avoir utilisé la fausse fourrure, ajoute-t-il.
Hommage est également rendu au noir, couleur fétiche de Sonia Rykiel, qui était "une couleur de dame dans les années 50, jamais associée à la mode", rappelle M. Saillard. De manteaux en petites robes et dentelles, Sonia Rykiel en a fait la couleur de la séduction.
Les modèles créés par les plus grands noms de la mode en hommage à Sonia Rykiel, présentés en octobre lors du défilé Rykiel printemps-été 2009, sont exposés dans la dernière salle, comme un bouquet final.
http://www.lexpress.fr/
C’est en mai 1968 que commence l’histoire de la maison Sonia Rykiel, avec l’ouverture de sa première boutique à Saint-Germain-des-Prés. Des petits pulls en tricot de ses débuts jusqu’à ses toutes dernières créations, elle a su s’imposer avec une instantanéité et une intemporalité remarquables, échappant à toute mode.
En 1974, lorsqu’elle décide d’afficher l’envers des vête­ments, Sonia Rykiel anticipe d’une décennie les gestes et les attitudes qui définissent désormais l’histoire de la mode contemporaine.
Elle est pionnière aussi lorsqu’elle utilise le noir qui gaine comme un gant des silhouettes à peine sorties des années pop : des salons aux podiums, le noir signe la modernité de sa maison, bien avant que les créateurs japonais, puis belges, ne s’en emparent.
Ce livre hors normes célèbre les 40 ans de la maison Sonia Rykiel en offrant une véritable bible sur ses créations : saison après saison, collection après collection, chaque vêtement est présenté tel qu’il est apparu au cours des défilés, dans un très long travelling qui met en valeur la permanence des principes, des formes et des motifs.
Il célèbre également Sonia Rykiel en tant que femme et créatrice, notamment à travers les magnifiques et mystérieux portraits qu’ont faits d’elle les photographes Dominique Isserman et Sarah Moon.
Des études sur la figure de Sonia Rykiel et son rôle dans la libération des femmes, sur la transmission générationnelle avec sa fille Nathalie, sur la façon dont elle est perçue à l’étranger, ou encore sur son utilisation fétiche du noir, complètent ce livre de référence.
Auteurs
Sous la direction d’Olivier Saillard, responsable de la programmation aux Arts Décoratifs, musée de la Mode et du Textile, commissaire de nombreuses expositions, en particulier « Christian Lacroix, histoires de mode » (2007), « Jean Paul Gaultier / Régine Chopinot, Le Défilé » (2007) et « Yohji Yamamoto, Juste des vêtements » (2005).
Akiko Fukai, directrice du Kyoto Costume Institute (Japon), est l’auteur de plusieurs livres sur l’histoire de la mode.
Liz Goldwyn, auteur d’une thèse sur la photographie, a participé à la création du département Mode chez Sotheby’s à New York. Icône de la mode aux Etats-Unis, elle a aussi dessiné sa propre collection de bijoux.
Gérard-Georges Lemaire, historien de l’art, critique d’art, traducteur, est entre autres l’auteur du livre Le Noir (Hazan, 2006) et d’ouvrages sur Kafka et Calder.

Aussi rouge que possible..

« Parler de couleur rouge est un pléonasme. Le rouge est la couleur par excellence [...] la première de toutes les couleurs. »
Michel Pastoureau, Dictionnaire des couleurs de notre temps, 1992
La galerie d’études du musée des Arts décoratifs permet de montrer la richesse des œuvres à travers une sélection d’objets. Exclusivement issus des collections, rarement ou jamais exposés, ils illustrent ainsi un sujet pendant 18 mois.
En choisissant une couleur – le rouge -, le thème de ce nouvel accrochage s’ouvre à l’ensemble des collections : arts décoratifs, bijoux, jouets, mode, textile, publicité. Cette présentation permet de montrer avec plus de 400 objets la diversité du fonds et l’importance de cette couleur à travers sa symbolique, son utilisation technique et matérielle. Il s’agit d’évoquer les nombreux domaines où le rouge apparaît de manière incontournable principalement dans notre société et à toutes les époques ; il s’agit aussi de souligner l’infinie variété des rouges : alezan, andrinople, bourgogne, cardinal, carmin, cerise, cramoisi, écarlate, magenta, pourpre, rouille, terra cotta, vermillon et bien d’autres...
La couleur rouge est ambivalente, multiple, effrayante, puissante, majestueuse, luxueuse, érotique, féerique et infernale. Sa force symbolique est aussi liée à ces deux référents principaux que sont le feu et le sang.
Le visiteur n’est pas contraint par un parcours formel, c’est une présentation à plusieurs entrées qui permet de découvrir les facettes du rouge tout à fait librement sur deux niveaux de galeries :

http://www.lesartsdecoratifs.fr/

02.01: Dufy e Polanski

Raoul Dufy : le plaisir

Grande rétrospective de l'œuvre de l'artiste
au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Du 17 octobre 2008 au 11 janvier 2008

http://www.raoul-dufy.com/

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente une importante rétrospective de l’oeuvre de Raoul Dufy. Cet artiste, largement représenté dans les collections du musée, notamment par la monumentale « Fée Électricité » (réalisée pour l’Exposition Internationale des Arts et Techniques à Paris en 1937), n’avait pas été montré dans une institution publique parisienne depuis la mort de l’artiste en 1953.

La trajectoire artistique de Dufy, qui accompagne les avant-gardes parisiennes du début du siècle, en fait un peintre très original. Très tôt, ses recherches mettent l’accent sur la couleur/lumière, sur son goût pour l’arabesque ainsi que sur de nouveaux procédés (procédé Maroger) et la redécouverte de certaines techniques (la xylographie). L’exposition met particulièrement en évidence ses remarquables séries (bords de mer, rues pavoisées, ateliers, cargos noirs, etc.) qui définissent un processus de création original. L’accent est mis aussi sur les rapports de son œuvre décorative avec sa peinture.

Cette rétrospective se propose de renouveler notre regard sur une œuvre qui a beaucoup séduit ses contemporains, mais qui reste dans l’esprit du public d’aujourd’hui, aussi synonyme de virtuosité, de couleur et d’une certaine « légèreté ». L’écrivain américain Gertrude Stein, en 1946, dans un texte consacré à Dufy, s’exclame : « Raoul Dufy est plaisir », rappelant ainsi que l’œuvre de Dufy, dans les années les plus sombres, conservait son pouvoir de séduction par la couleur et sa capacité à exprimer la joie de vivre.

Dufy, le plaisir au Musée d’Art Moderne…
envoyé par mairiedeparis

Durée : 3'20

http://www.paris.fr/portail/Culture/

Polansky

Roman Polanski : Wanted and Desired

Genre : Documentaire

Pays : États-Unis

Année : 2008

Distributeur : Les Films Séville

Durée : 99 min.

Générique

Réalisation: Marina Zenovich. Scénario: Joe Bini, P.G. Morgan, M. Zenovich. Photographie: Tanja Koop. Montage: J. Bini. Musique: Mark Degli Antoni.

Résumé

Si la vie de Polanski est un roman, de son propre aveu, le procès pour détournement de mineure, qui fut intenté contre lui aux États-Unis en 1977, en constitue le chapitre le plus fascinant. La documentariste Marina Zanovich reconstitue le fil des événements, depuis le délit présumé jusqu’au procès digne de l'Inquisition qui a suivi. Chemin faisant, elle identifie les forces qui se sont dressées contre lui. Les médias, d’une part, qui ont rapidement affiché leur hostilité vis-à-vis de ce Juif errant en faisant notamment ressurgir le douloureux souvenir de l'assassinat de son épouse Sharon Tate par les adeptes de Charles Manson, en 1969. D’autre part, le juge narcissique qui présidait son procès, et dont la subjectivité affichée a forcé Polanski à fuir les États-Unis, deux jours avant le prononcé de sa sentence.

Appréciation

Prudente et franchement habile, Zenovich prend «objectivement» le parti de Polanski; non celui du présumé pédophile (les preuves contre lui sont accablantes et elle ne les cache pas), mais celui de l'homme persécuté par les médias et par un juge qui cherchait à travers eux le miroir de sa propre gloire. Les extraits de comptes rendus journalistiques et juridiques, reproduits en noir sur blanc à l'écran, donnent au film une saveur didactique et excessivement verbeuse, compensée cependant par un certain style dans le montage, un repiquage d'images astucieux et l'emploi en leitmotiv de la berceuse entendue dans ROSEMARY'S BABY. Tous les acteurs du drame sont présents à l'écran: avocats des deux parties, qui furent les témoins impuissants de la mascarade; les amis et acteurs (dont Mia Farrow); enfin, la victime, qui avait été, à 13 ans, offerte au cinéaste par sa mère. Il ne manque à ce documentaire captivant que la collaboration de Polanski lui-même, quoique les archives abondantes, le rythme soutenu et la longueur en bouche du propos font oublier son absence. (Martin Bilodeau)

http://www.mediafilm.ca/

Agnès Varda

Cineminha com as memorias de Agnès.
Muito poético
Sopinha bem quente no Boulevard Sebastopol.
O céu da boca queimado.
Fome e frio quando acomete essa gente tropicaliente da nisso.

LES PLAGES D'AGNES
un film de VARDA



En revenant sur les plages qui ont marqué sa vie, Agnès Varda invente une forme d’autodocumentaire. Agnès se met en scène au milieu d’extraits de ses films, d’images et de reportages. Elle nous fait partager avec humour et émotion ses débuts de photographe de théâtre puis de cinéaste novatrice dans les années cinquante, sa vie avec Jacques Demy, son engagement féministe, ses voyages à Cuba, en Chine et aux USA, son parcours de productrice indépendante, sa vie de famille et son amour des plages.
Une femme libre et curieuse !

Bela noite de Ano Novo

Nouvel an à l'Opéra Bastille

La Fiancée vendue - Danse des comédiens à l'Acte III
Musique Bedrich Smetana

L'Oiseau de feu
Musique Igor Stravinsky (Suite pour orchestre, 1919)
Chorégraphie Maurice Béjart (Opéra national de Paris, 1970)
Costumes d’après les maquettes de Joëlle Roustan

Clair de lune
Musique Claude Debussy (orchestration André Caplet)

Nuages
Musique Claude Debussy
Chorégraphie Jiri Kylian

Danse slave opus 72 N°8
Musique Anton Dvorak

Boléro
Musique Maurice Ravel
Chorégraphie, décor et costumes Maurice Béjart
Lumières Clément Cayrol

Les Étoiles, les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet

Orchestre de l’Opéra national de Paris
Direction musicale Vello Pähn

Uma apoteose. Abaixo a mesma coreografia de Béjart na versao - para muitos definitiva - de Jorge Donn. Na apresentaçao de hoje todos os bailarinos tinhham o dorso nu.



Ao final:
A l'occasion de la Soirée du Nouvel An, une coupe de champagne vous est offerte.